MARIT WOLTERS
"…that imminence of a revelation that is not yet produced is,
perhaps, the aesthetic reality."
Jorge Luis Borges
Explaining the simple not always is. To trigger an experience whose explanation is more complex than it suggests.
Marit Wolters’ pieces are all about presence: fragile and ephemeral constructions, interstices of sculpture, architecture and landscape that are in constant dialogue with the site they are taking.
Her work combines the experimentation in situ and the exploration of the abstract. One of the facets of her work is the processual approach and lecture of the exhibition site. The pieces, in their autonomy and sovereignity, function as an intermediary that makes possible dialogue between the exhibition room and the viewer. They are, in many aspects, a prolongation, an extension, and a continuum of the materials and history that constitutes the space, however, embodied in sensuous form.
Adorno liked to repeat that a work of art is like a hieroglyphic because although it carries a clear message, it still hides something; it is proper for art to conceal art. As for the viewer, what attracts her/his gaze is the shape, either of a rose, a mathematical equation, or an artwork; no matter its tangible corporeality or visual and auditory immateriality, it is the aesthetic composition that seduces the spectator.
Marit Wolters’ works are an invitation to experience their openness: While confronting the viewer, the work opens a world of meaning that remains in constant impermanence, as the materiality of the piece itself. In the act of communicating and concealing, the piece attracts and seduces, giving clues about the relational process of identification between the place and its devenir in sensuous form.
Her processual method expands the limits of archaeological and recycling practices: It is not just about searching and finding traces, digging and showing results, no. What matters is to acknowledge the potential of the material. It is possible to perceive how she conceives a piece, either in the interventions in situ, where she contemplates the site, its history and the materials that compose it, presenting what it suggests and still have to say in her artistic language.
Or through constant exploration and experimentation with new materials and techniques, where abstraction finds other ways of expressing itself without losing track of the material's history and aesthetic potential.
While reading and experiencing Marit’s work, the question about the relation between art and production arises. To recycle materials and excesses of production has a long tradition that can be traced back to the 19th century. However, after Duchamp's Objet Trouvés actions, this relationship acquired significant relevance. Following Joseph Beuys Marxist lecture on Duchamp’s urinal, the difference between appropriation and expropriation is really blurry: “The worker who dug up the kaolin used to manufacture it was every bit as much a ‘creator’ as the person who came along, signed it, and put it in on display. Both performed a ‘putting-into-form’ (Gestaltung) that ‘acts on all the fields of forces within society and all context of labour’.”
Having this interpretation in mind, Marit’s methodology can be considered as genealogic postproduction, given that by tracing the history of the materials, even when appropriated, they are meant to be transformed and taken into a narrative that prolongs them in time, space and presence. This continuum of site and material’s history is projected and takes Marit's formal aesthetic ideal.
The risk of unpredictable results is always there: It’s not possible to previously know how the materials are going to react. In the process of production, every piece carries an independent experience, not just because of the form they could possibly take, or the specific conditions of the space where the piece is happening, but because the materials, the source of her work, have different and sometimes unknown characteristics.
Her works and the Gestaltung process offer the possibility to establish a dialogue where identity, as much for the viewer as for the place, is constantly questioned. It’s in the aesthetic presence where Marit's pieces power relies on, and with it, its potential for seducing, creating that immanence of a revelation.
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Felipe Duque,
lives and works in Vienna, Austria. He is Entkunstung Journal editor-in-chief, electronic music producer and DJ. He holds an M.A. in Aesthetic and Contemporary Art Theory, Modern History and Political Science from the Universidad Autónoma de Barcelona, Spain, and Universidad del Rosario, Bogotá, Colombia.
MARIT WOLTERS – RÄUME
Kunstwerke erschließen den Raum, gestalten ihn zum Ort, konstituieren ihn in dem steten Wechselspiel von Ausräumen und Einräumen, von Zulassen und Einlassen – und gerade in der Plastik, der Skulptur ist das, „was zuerst und vor allem Einzelnen wahrgenommen wird, in gewisser Weise der Raum selbst.“¹ Aber Räume sind keine stabilen, voraussetzungslosen Behältnisse, die beliebig zu füllen wären.
Sie tragen Bedeutung in sich, tragen Bedeutung aus, richten Beziehungen ein. Die Kunst ist räumlich, auch wenn sie nicht greifbar ist, und sie lebt von dem Verhältnis, das wir als Betrachter knüpfen. In einem zentrifugalen Impuls verbindet sich die Kunst mit ihrer Umgebung. Kunst ist und bringt Bewegung. Standbein / Spielbein, Kontrapost und Dazwischen. Aber Kunst ist auch Material, denkt das Material in Verbindung mit möglichen anderen Materialien und dem Raum selbst, der Ordnung, Kontext und Ortung herstellt. Das Feld der Kunst ist offen und weit. Sie koaliert mit dem Raum, mit der Gegenwart, mit der Gesellschaft. Sie ist reale Präsenz und fordert immer wieder neu gegenwärtiges Wahrnehmen und Erfassen. Aufmerksam beobachtet Marit Wolters den Raum, die Räume, in denen wir uns immer schon bewegen. Die Künstlerin analysiert Strukturen und Funktionen, eröffnet Möglichkeiten, erschließt Potenziale, die dann verwandelt, in neue Zusammenhänge eingefügt, neue Konstellationen bilden können. Dabei befragt sie in ihren Arbeiten immer auch das immaterielle Dazwischen, die Relationen, das Über-, Unter- und Nebeneinander, das sich zwischen die Dinge schiebt, das Vielschichtigkeit, Mehrsichtigkeit provoziert und der Wahrnehmung öffnet. „Drehen wir einmal soviel als möglich die Dinge um …“, diese Tagebuchnotiz von Robert Musil könnte auch als Handlungsmuster für die räumlichen Eingriffe, für die Transformationen von Marit Wolters gelesen werden. Sie führt in die irritierenden, inspirierenden Bereiche des Möglichkeitssinns, in dem alles, was wir sehen auch anders sein könnte. Die Künstlerin entfaltet in ihren Interventionen ein Spielfeld, eine Bühne in der die Materialien, die Dinge den Raum ausleuchten und beleben, ihn zum unerschöpflichen Erfahrungsraum machen. Die Öffnung des Blicks findet ein Korrelat (und Korrektiv) in der Reduktion der Mittel, zu der die vorgegebene Situation selbst die Spielregeln schreibt. Subversiv und frei setzen die Arbeiten einen Dialog zwischen Medien, Materialien und Strukturen, zwischen der Architektur und einer künstlerischen (Er)Lösung in Gang. In visuellen Kippfiguren wird Räumliches in die Fläche überführt und vice versa: Raumhandlungen der Übersetzung im Doppelsinn von Überfahrt und Übertragung. Architektonische Elemente und Applikationen finden Wiedergänger und Doubles. Intimere Räume mit ganz anderer Atmosphäre werden in unterkühlte Transitorien eingefügt, Muster setzen Raumdetails, Gänge, und Wände in rhythmisierte Bewegung, dynamisieren das Raumkontinuum. Das Mostrare/Zeigen, das im Wort Muster steckt, wird damit auch ein Sich-Zeigen des Wahrnehmungsprozesses. In jeder Arbeit ergeben sich Schwingungen, Oszillationen zwischen den gesetzten Rastern, zwischen Raum und Fläche, zwischen Präzision und Unabwägbarkeit. Mit mitunter minimalen Eingriffen, die oft eher spürbar als ohne weiteres sichtbar sind, erkundet Marit Wolters grundsätzliche Dimensionen ästhetischer Erfahrung, die sich ästhetischer Erkenntnis verschwistert. Dabei geht es immer auch um das Eingelassensein der Wahrnehmung in das Wahrgenommene und die Doppelbewegung des sinnlichen In-der-Welt-seins:
„Der (menschliche) Körper ist nicht nur im Raum, er wohnt ihm ein.“²
In den Installationen, in den graphisch bezeichneten Flächen, in den Objekten von Marit Wolters und in dem, was sich in den Zwischenräumen ereignet, geht es weniger um den Zustand als um einen Prozess, der die uneinholbare Prozessualität des Sehens einbezieht, der sich der Fixierung und Kontrolle entzieht. Dabei ist der Raum Teil und Auslöser der Entwürfe, die die Welt nicht als unabhängiges Bild zeigen, sondern in ein Feld von Möglichkeiten verwandeln. In all diesen Arbeiten, so unaufdringlich und nonchalant sie sich dem Raum einfügen, fließt so etwas wie das älteste und andauerndste Glücksfluidum: Aufmerksamkeit.
Dorothée Bauerle-Willert
¹ Gernot Böhme: Atmosphäre. Essays zur Neuen Ästhetik. Frankfurt am Main 1995, S. 95
² Maurice Merleau-Ponty, Phänomenologie der Wahrnehmung, Berlin 1965, S.169